novembre   

«À la fois absurde, grinçant et grotesque, ce film de Pablo Martin Torrado impressionne par le brut de son noir et blanc et nous entraîne dans une fascinante spirale hallucinatoire.» (VIFFF)

Enfermé dans ma chambre d’étudiant déjà exiguë, accablé par le tic-tac incessant et les bourdonnements non pas d’un, mais de trois réveils, j’ai commencé à réfléchir à l’absurdité du temps lui-même, à la répétition infinie de la vie quotidienne et à la lutte constante pour suivre le rythme. Tourné dans un noir et blanc métallique à fort contraste, presque comme dans un huis clos, le paysage claustrophobique du film devient de plus en plus labyrinthique à mesure que temps et espace entrent en collision.

En 1972, il fait sa première exposition à la Tour Philippe le Bel à Villeneuve-lès-Avignon (F). Il participe ensuite à plusieurs Grands Prix de peinture: Lauréat de la ville de Poitiers (1975), Prix du Jury du Grand Prix de Peinture de Cannes (1975) et Lauréat du Prix des «7 collines de Rome» (1977). Sa série Attente cosmique est exposée à Poitiers et à la Maison D’ailleurs, à Yverdon-les-Bains. En 1978, il expose à Berlin sous l’égide du Gouvernement français. Il enchaîne ensuite de nombreuses expositions, à Avignon, Poitiers, Cannes, Lausanne, Yverdon-les-Bains, Bruxelles, Deauville, Strasbourg, Paris, Rome…
En 1987, il tente une expérience d’enfermement à 450m sous terre, hors du temps, d’où est issue une série de tableaux exposés à la Galerie de Ballens et à la Galerie UNIP de Lausanne.
En 1987 et 1988, il fait un autoportrait par jour durant une année. De cette expérience sont nés 365 tableaux et dessins. Il part ennsuite à Haïti en 1991 dans le cadre de l’opération NOVA HELVETIA organisée par la Radio Suisse Romande à l’occasion du 700e anniversaire de la Confédération suisse. En 1992, il commence à travailler sur les épures de formes et la recréation des matières avec sa série Les hommes dans le mur.
Il s’enferme durant quatre années dans son atelier pour créer Bleu – et Blue, exposé en 2000 à la Galerie de l’Essor – Le Sentier. Puis, en 2002, il crée la performance Comme au cinéma en tant que peintre, concepteur et réalisateur. En automne 2018, il expose à la Galerie de la Fondation ABPi Du goudron à la Liberté de la cuillère.

Très jeune, il quitte Genève pour découvrir le monde. En s’imprégnant des cultures des pays où il a vécu, il apprend à raconter des histoires universelles. Dominique a récemment passé six ans en Chine, où il a enseigné à la prestigieuse Beijing Film Academy et a été artiste en résidence à Shanghai à l’invitation de Swatch.
Dominique a travaillé également quelques années à Hollywood, participant notamment dans les films d’horreur tels que Halloween 5: La vengeance de Michael Myers et The Omen 4.
En Europe, il réalise des téléfilms à succès, notamment consacrés à la vie de familles confrontées à la trisomie 21. Ses derniers films sont Colombine, l'histoire d'une jeune fille voyageant dans le temps à la recherche de son père, et Cri de l’âme, portrait du peintre français Joe Boehler.

«La puissance romanesque saisit autant que la réalité tragique. Le retour du cinéaste bouleverse par l’acuité de son regard sur un passé si proche. Quant aux visages de Jovan Ginic et Jasna Durićić, ils impriment la rétine autant qu’ils touchent au cœur et à l’âme.» (Semaine de la Critique, Cannes)
«Une lucidité implacable, qui combine la tragédie à la délicatesse du récit d’apprentissage, Vladimir Perišić conduit son film avec cette contradiction qui porte toute sa richesse et son ambiguïté.» (Les Inrockuptibles)

J’ai voulu explorer un conflit de double loyauté, entre celle qu’on a envers la mère, et celle qu’on a envers un impératif éthique. Mon court-métrage Dremano oko portait déjà en germe cette histoire. C’était plus facile car j’avais choisi un père comme représentant de l’autorité politique. Lutter contre le père est un passage obligé et libératoire. Avec la mère, c’est beaucoup plus difficile pour moi, car, dans les années 1990, ma mère faisait de la politique, dans une société serbe extrêmement patriarcale.
Ce qui m’intéresse c’est notre fragile faculté d'admettre la réalité. Il existe encore, malgré tout, un déni de la Serbie sur les crimes des années 1990. Dans Ordinary People, je voulais filmer le travail du déni au moment du crime. Lost Country se situe après, mais les événements du Kosovo vont arriver trois ans plus tard. Le film se situe donc entre deux crimes.
Je voulais un peu détourner les genres. Faire un film de "coming-of-age", d’initiation d’un adolescent, avec les étapes de la formation et de la découverte, mais dans une génération no future. J’avais aussi envie de faire un thriller politique mais du point de vue d'un enfant, du couloir ou de la cuisine. J’ai voulu travailler sur une représentation de l'histoire mais par la petite forme, qui était aussi mon expérience de l’Histoire à l’époque. J’aime bien les films d’adolescents de Larry Clark, Gus Van Sant ou Harmony Korine et en même temps c'est une adolescence que je n'ai jamais eue. Elle était prise dans un poids de l’histoire. Cela m'intéressait d'avoir cette jeunesse qui soit à la fois dans une présence immédiate au monde mais qui ne peut pas s'ouvrir à la vie.

«Le film n’est pas très long – cent minutes – et pourtant Justine Triet trouve le temps de faire bondir son héroïne dans le temps et dans l’espace, assemblant ces fragments en un édifice aussi complexe qu’un labyrinthe et pourtant presque familier – la représentation cinématographique d’un esprit féminin voué à la fiction.» (Le Monde)
«Ce qui se déroule devant nos yeux, et qu’il faut bien qualifier d’exceptionnel, seul le cinéma le permet: assister au dévoilement des puissances infinies d’une actrice.» (Cahiers du Cinéma)